Manifiesto (Gato egoísta y sucio)

Gato egoísta y sucio

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Teatro kabuki

Teatro Kabuki: Performance de la Antigüedad Japonesa

Aqui Panda

En esta sección hablaremos un poco de la perfomance oriental la cual a pesar de no ser llamado como performance es un tipo de arte escénico que comparte nuestro arte de acción la audacia, obscenidad y controversia.  

El teatro Kabuki es un tipo de teatro Japones el cual comenzó en 1603, este implica un alto grado de concentración y postura. Su significado, de izquierda a derecha, son los kanjis KA cantar ,BU bailar , KI habilidad pero también puede ser interpretado como"estar fuera de lo ordinario" o "extraño"


En general, es una danza dramática que a hoy en día es una de las expresiones mas finas del Asia, pero en sus principios las participantes era libremente utilizadas también para la prostitución luego de sus actuaciones frente a la Corte Imperial, he ahí su carácter polémico, pues también sus presentaciones fueron muchas veces indecentes y sugestivas. Fue así como el Shongunato Tokuwaga se intereso en estas performances y eliminó a las actrices femeninas cambiandolas por muchachos jovenes quienes también dispuestos a prostituirse representaban en sus danzas escandolos recientes o escenas obsenas. Cuando se prohibió el kabuki para los jovenes en 1653 empezaron a actuar hombres sólo quienes era mayores de edad , tomando un carácter mucho más serio y estilizado.
Como dato curioso, en esos tiempos se pensaba que aquellos que defraudaban al teatro Kabuki eran castigados por el dios de la muerte, quien los hacia sufrir atreves de sus cabellos plateados amarrados a su cuello y su katana enterrada en sus cuerpos los hacia sufrir un gran dolor hasta la muerte.

¡hasta muy pronto!
Caroline Bolivar (PANDA)

Presentando al revolucionario performista japones: Seiji Shimoda.

Artista y Director del Nippon Art Festival Internacional de Performance - NIPAF

Seiji Shimoda es el artista de performance más activo en Japón. Donde el campo de la performance se está convirtiendo en uno de los temas más emocionantes en la escena del arte contemporáneo japonés, ha participado en diversos tipos de Festivales, museos, teatros y centros de arte en más de 20 países en el mundo.

Nacido en el año 1953 en la ciudad de Nagano. Entró a la escuela secundaria en 1969 durante el último momento de los movimientos estudiantiles en Japón como: anti-Vietnam Guerra, anti polución, antisistema, etc. Por lo cual Organizó algunas manifestaciones y reuniones. Lamentablemente tales movimientos estudiantiles fueron completamente derrotados a principios de los 70, así que, dejo la escuela y se dedicó a  viajar dentro del mismo país. Durante aquel periodo comenzó a escribir poemas de fantasías y sueños oscuros.

A través de  la  escritura de poemas, Shimoda pudo conseguir algo de inspiración para su expresión corporal, que no fue para él, ni  la danza, el teatro, pero si la performance. Había comenzado su actividad performatica  en el año 1975; cuando tenía 21 años.

En 1982, se trasladó a París con muy poco dinero y se quedó allí durante 3 meses. Después de volver de París, comenzó a organizar algunos eventos de arte en la década de los 80. En los años 90 amplió su área a otros países asiáticos como Corea, Hong Kong y Taiwán. En ellos sus presentaciones fueron muy impactantes  a causa de sus desnudos. En Japón fue arrestado por la policía en dos ocasiones en 1979 y 1984, a causa de su actuación desnuda al aire libre. En cada ocasión  luchó por la libertad de expresión contra la policía.

En el '93, logró organizar el Festival de Arte primera pleno derecho Performance Internacional en Japón, en Nagano, que fueron participaron 14 destacados artistas de 10 países. En el '95 y '96 organizó la segunda y tercera del festival (NIPAF'95, '96) en Tokio y Nagano con 15 artistas de 14 países. En el '96 comenzó a organizar la serie Performance Art Asia y seminario NIPAF verano. En 97 organizó cuarto NIPAF e invitó 9 internacional y 9 artistas nacionales.

Hoy en Japón es uno de los mejores artistas de renombre en la escena de arte de performance.

ATTE

Panda.

Presentando a la  performista Yoko Ono:

Yoko es una artista japonesa que  formo parte del movimiento vanguardista fluxus, adepta al arte conceptual y también conocida por ser la segunda esposa de John Lennon. Para Yoko las ideas son el motor del arte pudiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de las técnicas de realización.

Nació el 18 de febrero de 1933  siendo parte de a la aristocracia japonesa recibió una educación musical desde muy pequeña, dando su primer concierto de piano a los cuatro años e incursionando en la ópera desde temprana edad. Su biografía artística la acredita como una mujer independiente, segura en sus principios éticos y estéticos, exploradora de los más variados procesos de creación y lenguajes expresivos −como compositora, cantante, poeta, performancera, creadora de películas y videos experimentales− en los que siempre a rondado los límites y los ha transgredido sin miedo.

El diálogo, tanto con el espectador como con la obra en sí, es un elemento capital en la propuesta estética y reflexiva de Yoko Ono. Durante sus estudios universitarios Yoko fue contagiada por la ola de intelectualidad radical que se forjó tras la finalización de la segunda guerra mundial.

Se vió influida por el marxismo y el existencialismo.

Su obra artística precisa para completarse de la participación del espectador, de su intervención.

Alguna frases de yoko :

 “Como en el movimiento Fluxus, mis acciones las impregné de mi concepción del mundo."

"ideas motor de el arte"

“No quieres ser una víctima aunque intentan convertirte en víctima”.

“Con ella quiero advertir de la violencia que hay en todo el mundo”

“Hago todo esto para ser una persona completa”.

”Si hubiera permitido que esas cosas me afectaran, me habrían matado”

“Soy feminista porque soy una persona. Lo que te hacen debería consternarte. Muchas personas sólo son mitad persona porque tienen tanto miedo”

 Un papel protagonista y realmente influyente en la gestación y desarrollo de las tendencias más carismáticas del arte vanguardista de entonces: el arte conceptual y el movimiento Fluxus,en éste, la participación de las mujeres jugó un papel importante. Se puede afirmar que es la primera vez en la historia en la que la presencia activa de mujeres en el arte es tan amplia, teniendo además en cuenta la envergadura de sus propuestas. Sus trabajos no fueron únicamente paralelos a los de otros miembros del grupo liderado por el artista lituano George Maciunas, sino que en muchos casos supusieron las bases para el desarrollo posterior del Performance Art tal y como lo entendemos hoy, y desde luego fueron las primicias, en algunos de ellos, de lo que conocemos hoy como arte profeminista.

ATTE
Panda   

¿Por qué no mejor desnudarse ,Amarrarse y cubrirse en sangre? ¡Es arte!

Desnudarse, amarrarse y sangre

Hola, aquí Constanza.

Estos fueron los tres temas recurrentes de las performance que me tocó investigar, he de aclarar que des contextualizados estos conceptos no parecen tener más objetivo que llamar la atención pero, recordando que el arte de performance está en la acción que realice el artista, estos pueden obtener un gran significado.

En tiempos de represión,  las performances nacieron  cargadas de este contenido violento e inmoral para la sociedad, con el objetivo principal de denunciar la sangre que los militares derramaban y como el pueblo era sometido. Siendo reprimidos en todos los aspectos, los artistas  se  armaron de lo único sobre lo que aún les quedaba poder: el  cuerpo y  su sexualidad. En consecuencia, el cuerpo se el cuerpo, todos sus fluidos, partes y secretos se convirtieron en el material perfecto para expresar la represión, la muerte y la violencia  que los grandes estamentos ejercían sobre ellos, y así de manera económica y sencilla  los espectadores se sentían directamente identificados con el acto.

Desnudarse:
Es la manera más literal de expresar la inexistencia tanto de pudores como de secretos. En el momento en el que alguien se desnuda con confianza frente a otro ser demuestra que está dispuesto a contar la verdad sin eufemismos, no habrán capas que intervengan o distraigan, algo así como: " Aquí estoy yo el artista en todas mis formas y ángulos, arrugas y defectos" también es la manera más fácil de llamar la atención y que te arresten.

Amarrarse:
Esto grita represión por todos lados, no hay otra manera de explicarlo, simple, gráfico y con relación directa con tendencias sexuales sado-masoquistas.

Sangre:
El rojo representa la violencia, y como obviamente hay que abrir un cuerpo para utilizarla,  la muerte, sus usos son infinitos y se puede utilizar sangre de animal o pintura roja. En este contexto existen mujeres que utilizan su propio periodo para revelarse ante la opresión masculina.  

No creo que exista performista de los setenta que no haya echado mano de estos recursos, sobre todo latinoamericanos que en esos tiempo vivían en dictadura.

Travestismo: También,  los niños con muchas plumas

La performance ha sido, en muchos casos (si no en su mayoria) la vía  de escape para muchas artistas, cuando no se puede hablar, cuando las pinturas son quemadas y los textos censurados, y lo único  que tienes es a ti mismo y la ropa de tu mamá  en el closet. De ello y de la imperiosa necesidad  dd destrozar las puertas del armario nace el travestismo como recurso en la performance, explorando  las intimidades de lo femenino y lo masculino, y de paso difuminando la linea que los divide.

El travestismo se adentra en la identidad sexual tanto personal como social , remeciendo el concepto que tenemos tan arraigado de lo que es un hombre y una mujer.

Un hombre colita en tacón  alto y una mujer de ropas anchas, rapada y de paso duro son imagenes que provocan un chock en el espectador (objetivo principal de la performance) haciéndole  replantearse lo que es la sexualidad.  ¿Será  todo tan así? ¿tan blanco y negro?

Nuestro sexo (femenino, masculino) no debe ser el que delimita nuestra manera de ser, y eso es exactamente lo que también  plantea el travestismo durante la performance, además  de una critica a aquellos quienes quieren reprimirlos.

Artistas como las yeguas del Apocalipsis, son gran ejemplo de este recurso.

Para aclarar

 Performance Beast.

Aquí Constanza.

Vamos aclarar unos puntos. Primero que todo, hoy nos encontramos mi grupo y yo en mi casa trabajando en los últimos ajustes de nuestra  presentación para mañana, es la primera de cinco apróximadamente  y para todos quienes nos leen (que son nuestros profesores mayormente) es necesario dilucidar algunos  puntos previos a la presentación, algo así como un prólogo,para que nos comprendan un poco mejor.

Empecemos por el significado de nuestro nombre y porque elegimos  este logotipo  para que nos representará; Además de nuestro amor por los animales y la manera que nos identificamos con ellos yo y mis compañeros, encontramos en la historia de la performance y en su ejecución en sí ese instinto animal que a muchos, a pesar de lo crudo, nos atrae mucho la atención.

Me explico, la diferencia clara entre humanos y animales  es el uso de la razón y su imperiosa necesidad de regirse por la moral, los animales carecen de todo esto, y bajo nuestro punto de vista esto los hace mucho más libres. Y bueno, da la casualidad que  el arte de la performance te da justamente estas libertades, tanto de romper la moral como perder la razón en ellas. He de admitir que este arte  tiene una  división muy fina  entre depravación  y  violencia desmesurada con el arte, pero aún así  no pierde nunca su objetivo de perturbar, criticar y salirse de lo común.
 Además, hay que recordar que   muchas de las performance nacieron casi como una reacción natural del artista ante la represión, la rabia y la censura. Comparemos: ¿Cómo es que reacciona el animal ante la amenaza cuando no tiene posibilidad de escapar? obviamente atacando al punto flaco del enemigo, en este caso: la decencia, el pudor, la sangre y tripas que ocultan bajo el tapete y colocando a prueba la resistencia de sus estómagos ante la verdad.         

Por otro lado, tenemos información más "dura" como diría nuestro profesor Coco González ( a veces pienso que  un eufemismo para aburrida) pero no deja de ser importante hablar de sus exponentes y sus objetivos.

Como resumen de lo que hablaremos mañana: las 10 performances más recurrentes en el medio, hablaremos de nuestro logotipo  y nuestro objetivo además de dar un destacado lugar a los performistas más importantes de la historia y sus por qué.

BEAST significa y ese es nuestro objetivo: 

mostrar la bestialidad de las performance

 y delimitar el punto en que esta pierde el arte. 

Se despide.

Performance Beast 

¿Qué berenjenales es una Performance?

¿Qué berenjales es una perfomance?

 Aquí Constanza.

 Muchos de ustedes se preguntaran ¿Qué es una perfomance? ¿No son aquellos  bailes que realizan los famosos con la canción gringa popular del momento? Bueno pues no, la performance no es eso, siento decepcionarlos, si buscan ese tipo de "performance" Youtube será su mejor aliado, ofreciéndoles las infinitas variedades de una misma canción: en hielo, en malla, con sombras, lo que sea. Porque aquí  presentaremos lo que es una  verdadera performance.
La performance o arte de acción es una de las ramas del arte contemporáneo el cual surge a fines de los años 60 principios de los 70. Se creo bajo el velo de artistas que rechazaban el tradicional por su soberbia y fines lucrativos, formando así un arte  que no presenta como obra un objeto físico  sino más bien una acción que realiza el  "performista" en un tiempo y lugar determinado que toma significado al  sumarlos  a un contexto y el recurso artístico que éste utiliza para simbolizar algo.  que utilice.  Su objetivo varia de artista en artista, pero siendo la performance un arte revolucionario generalmente van desde  provocar, causar polémica,  insultar a la moral y  las buenas costumbres, a denunciar la represión de los altos estamentos, reitero, todo esto dependiendo del performista. En resumen, simplificándola al máximo,  es un arte que  consiste de cuerpo, lugar y tiempo determinado en el que se realiza un acción, siendo estos espectros tan amplios sus límites son muy difusos.

Las vanguardias que dieron vida a la performance

Aquí David:


Como  se dijo anteriormente la performance nació como una protesta al arte tradicional, pero Si existe una verdadera  madre que le dio vida  esas son las corrientes vanguardistas del Futurismo, Dadaísmo y surrealismo, quienes  representan, respectivamente, el movimiento,  el absurdo y el subconsciente que de diferente manera heredó la performance, así como también la audacia, lo incierto (lo cual se convirtió en improvisación) y la irracionalidad . También se pueden incluir como influencias el Fluxus,  el body art y el happening de quienes utiliza la trivialidad, es decir, el uso de lo cotidianidad, el cuerpo como obra de arte en sí y la participación del  público en variadas ocasiones.
Así pues aunque la performance se tiene como un eje individual del arte este relaciona con variadas corrientes, formando un arte que incluye  la crudeza, la poesía, la crítica social, el teatro además de eliminar las barreras de lo ya estructurado. Un arte que no para de evolucionar y se adapta a las necesidades del artista.

"Asociados" a la Performance 

Fluxus

 Fue un movimiento artístico de 1950 formado por un grupo de artistas quienes  desencantados con la actitud elitista, formaron su propio “flujo de arte”. Estos  se extendieron por el mundo, pero conservaban  una especial presencia en la ciudad de Nueva York. George Maciunas es considerado históricamente como el principal fundador y organizador de este movimiento, al cual  describió como “Fluxus: una fusión de Spike Jones, gags, juegos, Vodevil, Cage y Duchamp". Al igual que los futuristas y dadaístas antes que ellos, los artistas de Fluxus no estaban de acuerdo con la autoridad de los museos para determinar el valor del arte, ni tampoco creen que hay que ser educados para ver y entender una obra de arte. Fluxus no sólo quería arte para estar disponible a las masas, sino que también querían que todos produjéramos  arte todo el tiempo. A menudo es difícil de definir Fluxus, pues como muchos artistas del movimiento afirman  el tratar de definirlo es, de hecho, demasiado limitante y reductora.

Body Art

El término Body Art nació como una noción determinada para denominar un tipo exclusivo de comportamiento artístico, llevado a cabo, entre finales de los sesenta y principios de los setenta en Estados Unidos, por artistas como Vito Acconci, Chris Burden, Bruce Nauman o Dennis Oppenheim. Sin embargo, actualmente, y aunque aún no hay un acuerdo tácito, los historiadores y críticos de arte no sólo utilizan “Body Art” en un sentido histórico, sino también en un sentido amplio e inclusivo, como una disciplina artística, una práctica o “modo de hacer” surgido de la confluencia de la danza, el teatro, la escultura y, al menos como reflexión, la pintura. Actualmente se entiende Body Art como una categoría inclusiva que incluiría a muchas otras, como happenings, performances, arte de acción, arte de comportamiento, body painting, etc.

Los primeros trabajos de body art fueron ignorados por la crítica. Su coincidencia temporal con la performance le hizo perder importancia. Tratando temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento.

Podemos diferenciar en el body art una línea más analítica que se practica en Estados Unidos que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más dramática, la europea, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo,  el tatuaje o la sublimación del dolor.

El body art europeo se diferencia del americano no tanto en la temática sino en cómo se afrontan los temas. Los artistas americanos que se expresan mediante el dolor son menos numerosos que en Europa. En EE.UU se opta por la provocación basándose en las ubicaciones, los movimientos, etc. Sin embargo, las figuras más representativas del body art europeo se centran en el dolor para mediatizar las temáticas en las que se quieren centrar.

En Europa es bastante mayoritario hacer acciones como las auto mutilaciones. Este echo obtiene el mismo estatuto que el de la cirugía estética: ambos quieren afirmar y volver a afirmar que la anatomía humana puede ser objeto de modificaciones voluntarias radicales, y a veces impensables.

Happening

Lo que comenzó como un desafío a la categoría de "arte" iniciada por los futuristas y dadaístas en los años 1910 y 1920 se convirtió en realidad con los movimientos artísticos de rendimiento, una rama de la que se conocen como happenings. Acontecimientos en los part

icipan más los espectadores pues el artista comprometido con los happenings requiere al espectador a participar activamente en cada pieza. No había un estilo definido o consistente para happenings, ya que varían mucho en tamaño y complejidad. Sin embargo, Sucesos operados con la creencia fundamental de que el arte podía ser puesto en el reino de la vida cotidiana. Este giro hacia la actuación fue una reacción contra el dominio de larga data de la estética técnicas del expresionismo abstracto y fue una nueva forma de arte que surgió de los cambios sociales ocurridos en las décadas de 1950 y 1960.

Un componente principal de los acontecimientos fue la participación del espectador. Cada instancia se produjo un acontecimiento que el espectador se utiliza para agregar en un elemento de azar por lo que, cada vez que una pieza se realizó o exhibido nunca sería lo mismo que la vez anterior. A diferencia de anteriores obras de arte que eran, por definición, estáticos, happenings podrían evolucionar y ofrecer un encuentro único para cada persona que participó en la experiencia.

El concepto de lo efímero era importante happenings, ya que el rendimiento fue una experiencia temporal, y, como tal, no puede ser exhibido en un museo en el sentido tradicional. Los únicos artefactos restantes de Sucesos originales son fotografías e historias orales. Este fue un desafío a la materia que había sido previamente definida por el propio objeto artístico. Arte ahora se define por la acción, actividad, ocasión, y / o la experiencia que ha configurado la Happening, que era fundamentalmente efímera e inmaterial.